Отправить сообщение

 

Иона Альтров делится пониманием просодии и её ролью в эффективном звуковом дизайне и микшировании .

В статье «Микс как график» мы рассмотрели, как продакшн композиции работает с различными звуками для придания песне импульсов и дифференцирования её разделов.

По правде говоря, звучание песни не является «вещью в себе». Хотя мы склонны думать о флэнжерах и «пинг-понг» задержках как о «спецэффектах», успешный продюсер знает, что каждое звуковое решение должно поддерживать послание песни или её настроение.

По аналогии: кино это не просто диалог и действия, которые рассказывают историю, это также визуальные решения режиссера, которые влияют на то, как история подана. Красочные, яркие, хорошо сфокусированные кадры создают хорошее чувство безопасности и стабильности, в то время как тьма, тени, и размытые ракурсы создают напряжение, интригу, или неловкость. (Сравните ранние и поздние фильмы о Гарри Поттере, посмотрите, как история становится все мрачнее и зловещее, и как это отражается на видеоряде.)

Музыка ничем не отличается. Песня рассказывает историю, используя не только слова. Хороший композитор использует мелодию, гармонию и ритм для влияния на настроение слушателя и для поддержки сообщения песни, так же, как освещение, сценография и ракурсы используются в кино. Авторы песен используют термин «просодия» (интонационная конструкция), чтобы описать взаимосвязь между тем, как звучит песня и историей, которую она рассказывает.

Если ваши глаза к этому моменту уже остекленели, поверьте мне — это важно, потому что песня как продукт является результатом многих преднамеренных решений, автор песни и Артист доверяют нам доставить верой и правдой этот продукт до аудитории. Это так же важно, как звучание гитары или настройка системного EQ.

Нам хочется заверить наших артистов, что мы делаем всё возможное, чтобы их песни эффективно транслировались слушателям, но как мы можем это обещать, если не понимаем даже основ того, как они сделаны в музыкальном плане?

Я могу точно сказать, что понимание музыкальной стороны вещей улучшает мои рабочие отношения с Артистами в миллион раз (это 120 дБ!). У нас есть технический язык для описания звука, а у Артистов есть художественный. Так как именно за Артистов все платят, давайте попытаемся понять этот язык. (Никто не покупает билет, чтобы услышать ваш винтажный ревербератор.)

Если отвлечься от профессиональных мотивов, как только вы поймёте просодию, вы, скорее всего, никогда не будете слушать музыку так же, как раньше. Думайте об этом, как о музыкальном эквиваленте перехода на HD.

Три основных элемента песни — это мелодия (ноты, которые играют/поют), гармония (аккорды, сыгранные/исполняемые этими нотами) и ритм (тайминг нот и аккордов). Примечание: я признаю, что упрощаю, потому что многие из нас не имеют музыкальной грамоты, поэтому, если у вас есть музыкальное образование, пожалуйста, простите это упрощение.

Мелодическая просодия

Это, вероятно, самый простой способ, поэтому давайте сначала рассмотрим его. Большинство из нас знакомы с пивным гимном Garth Brooks «Friends In Low Places» (если нет, поищите его, я подожду.) В мелодии припева нота на слове «low» на самом деле низкая. Та-дам! Просодия!

Этой песне с удовольствием подпевают, тем более что нижняя нота подчеркивает смысл лирики. Если бы он пел «У меня есть друзья в пиццериях», это было бы гораздо менее уместно, и в результате было бы не так забавно слушать. Это «вверх и вниз», буквально изображённое, является просодическим в его самом базовом смысле.

Для театралов: как насчет «Bring Him Home» из «Отверженных»? Песня начинается с лирического «God on high». Угадайте, на какое слово приходится высокая нота?

В прекрасной балладе Sara Bareilles «Gravity» каждая фраза в припеве имеет мелодический контур вниз. (Слова «Я не хочу падать еще мгновение в вашу гравитацию» мягко опускаются вниз, чтобы приземлиться на слове «гравитация».) Исключением является последняя строка «all over me», где мелодия поднимается на слове «over». Техника настолько мощная, что слушатели, даже не имеющие музыкального образования, очень эмоционально реагируют на то, как мелодия поддерживает сообщение песни.

Вот пример мелодической просодии из учебника — в «Вестсайдской истории» Леонарда Бернстайна песня «Мария» открывается музыкальным интервалом, называемым тритон. Тритоны звучат неприятно (сыграйте на пианино вместе C и F #. Не так красиво?) На самом деле — тритон раньше назывался «интервал дьявола» за его крайне диссонирующий звук. Композиторы обычно стараются избегать тритонов в мелодиях.

Почему Бернстайн намеренно поставил имя Марии над тритоном? В этой истории её персонаж представляет собой что-то запретное, рискованное и опасное, что не закончится хорошо (это модернизация истории Ромео и Джульетты), и Бернстайн иллюстрирует беспокойство ситуации, используя небольшую музыкальную идею (мотив), которую в буквальном смысле неудобно слушать.

Эти психологические ассоциации протекают очень глубоко: современные трубы имеют клапаны, но у их предков клапанов не было, и поэтому они могли играть только ноты натурального звукоряда . Военные марши «Taps» и «Reville» используют исключительно эти ноты.

В давние времена трубы использовались, чтобы возвещать о прибытии королевской семьи, поэтому эти интервалы по-прежнему несут в себе значительную коннотацию. Сыграйте B ?, B ?, F на фортепиано — этот скачок от первой до пятой ступени слышен в начале триумфального «Принца Али» в «Аладдине» Диснея и открывает культовую тему Супермена, написанную Джоном Уильямсом.

Ритмическая просодия

Она работает, устанавливая ритмические рисунки и используя вариации, чтобы манипулировать ожиданием слушателя, этот музыкальный принцип называется «напряжение и освобождение». Очевидный пример: песня «How Sweet It Is (To Be Loved By You)» мгновенно останавливается на слове «Стоп». Так и происходит, буквально: «Stop! In The Name Of Love».

«Memories» из мюзикла Cats убаюкивает слушателя, приводя в спокойное, удобное, рефлексивное состояние, придерживаясь рутины и повторяя один и тот же ритмический мотив (две длинные ноты, пять коротких нот) три раза подряд. Так же как и Beatles в «Let It Be» повторяют заглавную фразу снова и снова, создавая уверенность. Стравинский в «Весне священной» делает противоположное, используя непредсказуемые и нерегулярные ритмические толчки для создания напряжения и стресса. (Это сработало — зрители на премьере возмутились. Это было в 1913 году.)

Гармоническая просодия

Аккорды создают разные текстуры и устанавливают различное количество «стабильности» — можем ли мы с комфортом здесь побыть какое-то время (1-я ступень)? Чувствуем ли мы легкий толчок вперед (4-я ступень)? Или мы действительно хотим вернуться домой (5-я ступень)? В песне «Freefallin» Том Петти тратит много времени на 4-ю и 5-ю ступени, создавая зыбкое, безопорное чувство, которое не имеет стабильности или постоянства, — идеальное в данном контексте.

Трудно привести отдельные примеры, поскольку авторы-песенники обычно используют одновременно несколько элементов для установления просодии. Тим Макгроу в хите «Live Like You Were Dying» переходит на модуляцию в последнем припеве, создавая энергетический подъем и подталкивая и без того высокие мелодичные нотки в текстах «sky diving» и «mountain climbing» ещё выше.

Майкл Джексон в песне «Man In The Mirror» использует просодию во время последней модуляции — сильное ритмическое и гармоническое изменение, которое подчеркивает изменение лирического состояния. Тема «полета» Джона Уильямса из фильма E.T. «взлетает», повторяя мощную пятую ступень аккордов, поднимающихся ниже.

Между звуками и эмоциями существует очень сильная взаимосвязь, и хороший композитор или автор песен может создавать эти взаимосвязи и ассоциации, чтобы добиться большего эффекта.

mixnotes

Идея использовать повторяющейся музыкальной идеи для идентификации персонажа восходит к оперной традиции. Это называется лейтмотивом. (Хороший вопрос для кроссворда!)

Пуччини использовал его в опере Богема, и когда Джонатан Ларсон модернизировал оперу в мюзикл Rent, он сохранил идею неизменной — обратите внимание на то, как, например , представляет себя персонаж Мими.

В теме Джона Уильямса для фильма «Челюсти» особенно неудобный интервал, малая секунда (от нижнего G до A?), связан с акулой-убийцей. Мы слышим этот мотив из двух нот, повторяющийся и ускоряющийся, и мы уже чувствуем напряжение от приближения акулы. Нам даже не нужно видеть это на экране — мы это слышим.

Установление связей

Хорошо, подождите. Это не курс теории музыки. Как это перевести в информацию, которую мы можем использовать для принятия решений о микшировании? Другими словами, можем ли мы расширить концепцию просодии так, чтобы наш продакшн поддерживал музыкальную идею?

Я собираюсь показать на примере светового дизайна (спокойно, это всего лишь пример) то, что это подход «широкими мазками». Нет ни одного светового сигнала, который бы сам по себе устанавливал настроение. Атмосфера создается большой картиной: переходами от «большого» к «маленькому» взгляду, холодными или теплыми цветами, использованием движения света. Я пробовал в прошлом свои силы в дизайне освещения, и там эти основные просодические элементы становятся критическими.

В Oliver! сирота скучает о своей матери во время баллады «Where Is Love». Это песня глубокого одиночества, поэтому давайте зальем большую площадь, чтобы подчеркнуть его ничтожность и одиночество — крошечный человек, один на огромной сцене. Позже в шоу, когда женский персонаж поет о ловушке в оскорбительных отношениях (As Long As He Needs Me), давайте поместим её в небольшую шахту света, квадратную, с острыми краями на луче, буквально «заманивая ее в ловушку».

Обе песни — баллады, но нельзя только по этому признаку относиться к ним абсолютно одинаково, игнорируя возможность создать особенную просодию, используя продакшн и дизайн шоу, чтобы подчеркнуть сообщение.

Вернёмся к аудио. Какие инструменты у нас, как микс-инженеров, имеются, чтобы создать или подчеркнуть настроение песни? Два самых больших элемента, которыми мы можем управлять, являются динамический диапазон и реверберация. Динамичен ли микс, дышит ли он свободно? Или он задавлен и тщательно контролируется? Для каждого случая есть подходящее время и место. Реверберация ставит и исполнителей и слушателей в пространство определенного размера. Здесь имеется большой потенциал, чтобы создать настроение и повлиять на воспринимаемую близость.

В песне «Mr. Cellophane» группы Chicago персонаж поет о том, что его игнорируют и поэтому он невидим. Действительно ли тут уместен большой, заполняющий весь микс вокал? В конце Les Miserables все персонажи, которые были убиты во время шоу, возвращаются и исполняют заключительный гимн. Это эмоциональный момент: о конфликте, бедности и людских потерях.

Когда я работал над звуковым дизайном для Les Miserables, я действительно хотел, чтобы этот момент имел влияние и подчеркивал человечность, поэтому я сделал довольно нетрадиционный выбор — я полностью приглушил всю систему. После двух часов современного, усиленного звука переход к естественному, не усиленному исполнению создал (намеренно) резкий момент, который заставил аудиторию перефокусироваться.

Это, пожалуй, экстремальные примеры, но дело в том, что наличие общего подхода (то есть — «ОК, баллада. ОК, боевик. ОК, …») является адекватным, но, конечно же — не убедительным. Чтобы максимизировать эффект, каждый продакшн-элемент должен поддерживать сообщение Артиста. Обычно к песням не приклеены ярлычки — «грустная», «счастливая», «сердитая» — поэтому понимание просодии важно для того, чтобы помочь Артисту донести его сообщение до аудитории.

Глубокое понимание настроения и месседжа имеет решающее значение для сценического дизайна, дизайна костюмов, дизайна освещения и практически любого другого аспекта продакшн. Я просто считаю, что аудио тоже не само по себе.

Иона Альтров

Оригинал материала.

Обсуждение